Histoire de la danse

Introduction

L'histoire de la danse retrace la façon dont les sociétés ont codifié le mouvement du corps : danse rituelle, danse de cour, spectacle scénique, puis recherche chorégraphique contemporaine. Connaître ces étapes permet de situer une œuvre, d'en comprendre le vocabulaire technique et les enjeux esthétiques.

1. Des rites au ballet de cour (Antiquité – XVIIe siècle)

• Danse rituelle et sociale : dans les sociétés antiques, la danse accompagne le culte, les saisons et les rites de passage. Elle est collective, non spectaculaire.
• Basse danse et branles (XVe–XVIe s.) : les traités de Thoinot Arbeau (Orchésographie, 1589) sont les premières sources écrites décrivant pas et pavanes.
• Ballet de cour : le Ballet comique de la Reine (1581) mêle vers, musique et figures géométriques. Louis XIV danse lui-même et fonde en 1661 l'Académie royale de danse, qui fixe le vocabulaire français encore utilisé aujourd'hui (plié, tendu, jeté, arabesque).
• Codification : Pierre Beauchamp définit les cinq positions des pieds ; Raoul-Auger Feuillet publie en 1700 un système de notation (chorégraphie écrite).

2. Le ballet romantique et académique (XIXe siècle)

• Romantisme : La Sylphide (1832, Taglioni) et Giselle (1841) imposent la ballerine, le tutu long, les pointes et le thème du surnaturel. Le corps féminin devient signe d'immatérialité.
• Académisme russe : Marius Petipa crée à Saint-Pétersbourg La Belle au bois dormant (1890) et Le Lac des cygnes (version 1895) : structure en grands actes, pas de deux (adage, variations, coda), corps de ballet symétrique.
• Vocabulaire clé : en dehors (rotation externe des hanches), ballon (qualité du saut), ligne (esthétique du tracé du corps).

3. La rupture moderne (1900–1950)

• Ballets russes de Diaghilev (1909-1929) : L'Après-midi d'un faune (Nijinski, 1912), Le Sacre du printemps (Stravinsky/Nijinski, 1913) provoquent le scandale par leur rythme heurté et leurs corps en dedans.
• Danse moderne : Isadora Duncan danse pieds nus, en tunique ; Loïe Fuller travaille lumière et tissu ; Mary Wigman développe l'Ausdruckstanz allemand ; Martha Graham invente la technique contraction–release centrée sur le bassin.
• Ces artistes refusent la verticalité académique : le poids, le souffle, la chute deviennent matériaux.

4. Post-modernité et danse contemporaine (1960 → aujourd'hui)

• Judson Dance Theater (New York, 1962) : Yvonne Rainer (No Manifesto), Trisha Brown, Steve Paxton (contact improvisation) introduisent le mouvement quotidien, la tâche, l'improvisation structurée.
• Merce Cunningham dissocie danse et musique et utilise le hasard (chance operations) pour composer.
• Danse-théâtre : Pina Bausch (Café Müller, 1978) mêle parole, répétition et récit intime.
• France, années 1980 : la « nouvelle danse française » (Dominique Bagouet, Maguy Marin May B, Jean-Claude Gallotta) accompagnée par la création des Centres chorégraphiques nationaux (CCN) à partir de 1984.
• Aujourd'hui : hip-hop scénique (Kader Attou, Mourad Merzouki), danse et technologie, pièces documentaires, questionnement des identités et des corps non normés.

5. Repères pour analyser une œuvre

Entrée	Questions à se poser
Espace	frontal ou circulaire ? niveaux (sol, debout, aérien) ?
Temps	rapport à la musique : synchrone, décalé, silence ?
Corps	tonicité, poids, regard, dedans/dehors
Dramaturgie	narration, abstraction, montage de scènes
Contexte	date, lieu de création, public visé

À retenir

• Le vocabulaire académique se fixe en France au XVIIe siècle et sert encore de langue commune internationale.
• Le XIXe siècle invente la ballerine sur pointes ; le XXe siècle déconstruit cette verticalité au profit du poids et de l'expression.
• Chaque rupture (Ballets russes, Judson, danse-théâtre) redéfinit ce qui peut être considéré comme de la danse.